ドノバンは好きなミュージシャンの一人です。当時は、彼独特の特徴的な声とアコースティックギターの弾き語りスタイルに強く惹かれました。当時のキャッチフレーズは「現代の吟遊詩人」でしたが、まさにその名に恥じない名曲を数多く残しています。

• Sunshine Superman（1966年）：全米1位を記録したサイケデリック・フォークを代表する名曲。

• Mellow Yellow（1967年）：軽快でポップなサウンドが世界的に大ヒットした代表作。

• Catch the Wind（1965年）：フォーク歌手としての地位を確立したデビューシングル。

• Atlantis（幻のアトランティス / 1969年）：全米7位、全英23位を記録したエキゾチックなナンバー。

• The Hurdy Gurdy Man（1968年）：ハードロック的なアプローチを取り入れた神秘的なヒット曲。

• Jennifer Juniper（1968年）：可憐でメロディアスなフォーク・ポップ曲。

上記の曲はどれも好きですが、これら以外にも「Riki Tiki Tavi（リィキ・ティキ・タビ）」という楽曲があります。後年にロックバンド形態で発表された「ケルティック・ロック」のB面（またはカップリング）に収録されていた曲で、初期の吟遊詩人スタイルとは異なるサイケデリック・ロック調のサウンドですが、こちらも非常に気に入っています。

この「リィキ・ティキ・タビ」というタイトルは、ハインラインのファンであれば誰もが名作小説『夏への扉』に登場する文化（または猫の元ネタ）を連想するはずです。元をたどればキプリングの『ジャングル・ブック』に登場するマングースの名前のようですが、さすがにそこまでの記憶はありませんでした。

ちなみに『夏への扉』に登場する猫の名前は、初期の日本語訳では「護民官ペトロニウス」と訳されていましたが、後に「審判者ペトロニウス」に変更されたようです。いずれにせよ、最近までずっと「ペテルギウス」だと勘違いして覚えていた自分にとっては、どちらでも大きな違いはありません（笑）。

また、「The Hurdy Gurdy Man」は、アニメ『無職転生』に登場する魔神「バーディガーディ」の元ネタではないかと推测しています。このように様々な文化に影響を与えたドノバンですが、個人的にはNHKのドラマ挿入歌として使われた「River Song（リヴァー・ソング）」も強く印象に残っています。

つげ義春原作の『紅い花』を実写化したドラマで、美しい川の映像とともに流れていました。コード進行やフレーズもそれほど難しくなかったので、自分でもアコースティックギターでコピーして弾いた思い出深い一曲です。

※ケルティックロックは異世界によくマッチしています。

コミックソングは洋の東西を問わず大人気？！

洋の東西を問わず、笑いを誘う音楽は大ヒットすることがあります。音楽は感情を揺さぶるものだからこそ、喜怒哀楽に直結しており、その「喜」の中に「笑い」が含まれることは言うまでもありません。

洋楽好きとしては、海外のコミックソング（ノベルティソング）を挙げたいところですが、パッと思い浮かぶものはそう多くありません。その中で強く記憶に残っているのは、アル・ヤンコビックの「Eat It」です。これはマイケル・ジャクソンの大ヒット曲「Beat It」のパロディであり、替え歌でもあります。ミュージックビデオで彼が着ている赤いジャケットは、マイケル本人から贈られたものだと聞いています。まさに本人公認の完璧なパロディソングでした。

もう一人記憶に残っているのは、スキャットマン・ジョンの「Scatman (Ski-Ba-Bop-Ba-Dop-Bop)」です。独特なスタイルですが、キャッチーなメロディに高速のスキャットを乗せた非常に軽快なヒット曲でした。

一方、日本にはかつて「コミックバンド」と呼ばれるジャンルが存在していました。古くはハナ肇とクレージーキャッツが挙げられます。彼らはテレビで冠番組を持ち、コントやギャグを披露しながら「スーダラ節」や「ハイそれまでョ」といった数々のコミックソングをヒットさせました。メインボーカルの植木等さんのインパクトも強烈です。

クレージーキャッツの楽曲の多くは、当時放送作家だった青島幸男さんが作詞を手掛けていましたが、のちに東京都知事に就任したことには大変驚かされました。選挙運動をほとんど行わない独自のスタイルでも有名でした。

そのクレージーキャッツの後継とも言える存在が、ザ・ドリフターズです。ビートルズの来日公演で前座を務めたエピソードは有名ですが、長年にわたりゴールデンタイムで冠番組を持ち続けたことからも、当時の爆発的な人気の高さが伺えます。彼らのヒット曲「いい湯だな」は、近年ゲーム内で使用されたことをきっかけに、再び若い世代からも注目を集めていました。

日常に音楽があるだけで心は豊かになりますが、たまには思わず吹き出してしまうような笑える音楽も、私たちの生活には欠かせないのかもしれません。

※初めて作ったノベルティソング

TVやラジオのオープニング曲

 TVやラジオには、オープニング曲に強い特徴のある番組が数多く存在します。特に1960年代はラジオの深夜放送が絶大な人気を誇っていたため、今でも印象に残っている曲がいくつもあります。深夜放送の代名詞とも言える『オールナイトニッポン』のテーマ曲「ビター・スウィート・サンバ」（ハーブ・アルパート＆ザ・ティフアナ・ブラス）は、その最たる例でしょう。一方、TBSラジオの『パックインミュージック』にもオープニング曲はありましたが、個人的に強く記憶に残っているのは印象的なジングルでした。

また当時のTV番組では、プロ野球中継やプロレス中継がゴールデンタイムの花形だった時代です。そのため、スポーツ番組のオープニング曲も今なお耳から離れません。メロディーははっきりと覚えているものの作曲者名までは思い出せませんが、当時は著名な作曲家が手掛けていたと記憶しています。

変わったところでは、キユーピーが一貫して提供している『3分クッキング』のテーマ曲も、世代を超えて誰もが耳にしたことのある名曲ではないでしょうか。

このような「音で番組を象徴する」流れは現代にも受け継がれており、現在のYouTube配信者たちも、それぞれのイメージ定着やブランディングのために印象的なオープニング曲を活用しているようです。

上記以外の当時特に有名だったオープニング曲を調べてみました。

1. ラジオ深夜放送

• 『JET STREAM』（TOKYO FM / 旧FM東京）

  • 曲名: 「ミスター・ロンリー」（フランク・プゥルセル・グランド・オーケストラ）

  • 特徴: 城達也氏のナレーションとともに流れるイージーリスニングの名曲。夜の静けさと旅情を象徴する圧倒的な認知度のテーマ曲です。

• 『パックインミュージック』（TBSラジオ）

  • 曲名: 「Theme from The Joint」（The Joint）などのインスト曲（時期や曜日により変動）

  • 特徴: 印象的なジングル（「パックインミュージック〜♪」）とともに深夜族に親しまれました。

2. スポーツ番組（名作曲家たち）

記憶にある「有名な作曲家」によるスポーツテーマ曲として、代表的なものは以下でした。

• プロ野球中継『スポーツショウ行進曲』（NHK）

  • 作曲: 古関裕而（『栄冠は君に輝く』『六甲おろし』等）

• プロレス中継・スポーツ中継『スポーツ行進曲』（日本テレビ）

  • 作曲: 團伊玖磨（オペラ『夕鶴』等）

  • 特徴: 全日本プロレスや巨人戦の中継で長年親しまれた、日本のスポーツ音楽の金字塔です。

3. その他の名物TVオープニング

• 『兼高かおる世界の旅』（TBS系）

  • 曲名: 「スウィート・ジョージア・ブラウン」（演奏: ワーナー・ブラザース・オーケストラ）

  • 特徴: 軽快なリスニング・ジャズに乗せて世界を巡る、日曜朝の象徴的なオープニングです。

• 『キユーピー3分クッキング』の補足情報

• 曲名: 「おもちゃの兵隊の観兵式（おもちゃの兵隊のマーチ）」（レオン・イェッセル作曲）

• 特徴: 1962年の番組開始当初から一貫して使われ続けている、認知度抜群のクラシック楽曲です。

心に響くアコースティックの原点。サイモン＆ガーファンクルの名曲と、広がっていく音楽の旅

1960年代後半から70年代初頭にかけて、世界の音楽シーンに鮮烈な印象を残したデュオ、サイモン＆ガーファンクル（Simon & Garfunkel）。ポール・サイモンの緻密で文学的なソングライティングと繊細なアコースティック・ギター、そしてアート・ガーファンクルの美しく澄み渡るハイトーン・ボイスのハーモニーは、今なお時代を超えて多くの人々の心を揺さぶり続けています。

彼らの魅力の真骨頂は、何と言っても「アコースティック・ギター1本から広がる濃密な世界観」にあります。名曲『The Sound of Silence』や『Homeward Bound（帰郷）』で聴ける繊細なアルペジオの音色は、単なる伴奏にとどまらず、歌声と同等かそれ以上に雄弁に感情を語りかけてきます。

私自身、彼らの音楽には忘れられない思い出があります。大学時代、「人間学」の授業で配られた教材を開いたときのことです。そこに『The Sound of Silence』の歌詞がそのまま教材として掲載されているのを目にして、大きな衝撃と驚きを覚えました。静寂や現代社会の孤独を描いたポール・サイモンの詩は、単なるポップ・ミュージックの枠を超えた深い思索に満ちており、その哲学的な詞の世界に改めて深く感銘を受けた瞬間でした。

その後、サイモン＆ガーファンクルが解散し、ポール・サイモンがソロとして活動を始めてからは、また新たな驚きがありました。それまでのアコースティックでフォーク・ロック的なスタイルから一転し、アフリカの民族音楽やジャズの要素を果敢に取り入れたワールドミュージック的なアプローチへと進化を遂げたのです。

最初は音の変化に戸惑いもありましたが、そのソロ作品を通してジャズ界の巨匠トゥーツ・シールマンス（Toots Thielemans）による叙情的なトゥーツのハーモニカ演奏に出会うことができました。サイモン＆ガーファンクルという原点があったからこそ、そこから多様なジャンルや素晴らしいミュージシャンを知るきっかけとなり、自身の音楽の視野や楽しみ方が大きく広がる体験となりました。

時代が移り変わり、デジタル技術でどんな音でも作れる現代だからこそ、彼らが響かせたアコースティックの温もりや、ジャンルを超えて音楽を探求し続けた姿勢の価値が輝きを増しているように感じます。

ふとした静かな夜や、少し立ち止まりたいとき。サイモン＆ガーファンクルの名曲やその先へ続く音楽に耳を傾ければ、あの優しくも深い音の世界が、いつでも温かく心を包み込んでくれます。

※こちらは新作のワークアウトBGMです

 ヒット曲には覚えやすいメロディーや心を打つ歌詞など様々な要素がありますが、中には単調なリズムの曲もあります。つまり、シンプルなリズムで聴き飽きてしまいそうな曲でも、大ヒットにつながることがあるのです。

その代表格として挙げられるのが、アメリカのバンド「アメリカ」による『名前のない馬（A Horse with No Name）』（1972年）でしょう。リズムは単調で歌詞も情景描写が中心ですが、全米1位という大ヒットを記録しています。当時の日本では総合チャート上位に入るような記録はありませんでしたが、洋楽ファンの間では非常に人気の高い名曲です。

80年代にも、こうしたシンプルな曲が大ヒットしています。ユーリズミックスの『スウィート・ドリームス（Sweet Dreams (Are Made of This)）』も、1983年に全米1位を獲得しました。あまりにもリフレインが単調なため、当時は「お経のようだ」と評した人もいたほどでした。

ユーリズミックスにはヒット曲が多く、1985年の『ゼア・マスト・ビー・アン・エンジェル（There Must Be an Angel (Playing with My Heart)）』も全英1位を記録しています。こちらはメロディアスで曲の冒頭から惹きつけられるナンバーです。日本のTVドラマやCMなどでもよく使われていたため、聞き覚えがある人も多いでしょう。スティーヴィー・ワンダーがハーモニカで参加していることでも有名です。

また1984年には、ジョージ・オーウェル原作の映画『1984』が公開され、ユーリズミックスが手がけた『1984のテーマ（Sexcrime (Nineteen Eighty-Four)）』がヒットしました。しかし、これは映画監督の意向に添わなかったようで、公開バージョンによっては彼らの曲が使われていないケースもありました。

個人的に「究極の単調な曲」として強く記憶に残っているのが、ホット・レッグスの『ネアンデルタール・マン（Neanderthal Man）』です。メロディーもリズムも歌詞もひたすら単調で、まさにタイトル通りの原始的な泥臭さがあり、聴いた当時は大きな衝撃を受けました。なお、ホット・レッグスのメンバーが中心となって結成されたのが「10cc」です。彼らは後に、全英1位・全米2位を獲得した大名曲『アイム・ノット・イン・ラブ（I'm Not in Love）』を発表することになります。

『アイム・ノット・イン・ラブ』の歌詞は「本当は恋しているのに、それを強がって否定する」というあまのじゃくな内容です。『ネアンデルタール・マン』も実験的な作品でしたが、『アイム・ノット・イン・ラブ』でも、アナログ時代に3人分の声で13音の音階をそれぞれ16回重ね合わせ、テープの端と端をつないで無限ループのコーラスパートを作るという、狂気とも言える途方もないレコーディングを行っています。まさに「肉声によるシンセサイザー」と言えるでしょう。

一口にヒット曲と言ってもヒットの理由は様々であり、中にはこうした実験的な試みや偶然の産物から生まれた名曲もある点が非常に興味深いですね。

※何も考えずにうまくいくこともあります。特にワークアウトはひたすら続けることだけを考えるとうまくいくかも。

爽やかに目覚めた朝には、その気分にふさわしい曲を聞くことで朝のルーティンも楽しく過ごせます。60〜80年代には、朝にふさわしい数々の名曲がヒットしました。

60年代のザ・ビートルズには「Good Morning Good Morning（'67）」があります。ニワトリの鳴き声から始まる軽快で実験的なロックですが、朝の慌ただしい雰囲気を表現したヒット曲です。 ミュージカル「ヘアー」の中で歌われていた「Good Morning Starshine（'69）」は、オリバーによるカバーが大ヒットしました。明るい朝にぴったりの曲です。 個人的にも好きなキャット・スティーブンスには「Morning Has Broken（'71）」という曲があります。讃美歌のような神聖なイメージを持つ、ピアノをバックにしたフォークソングです。

タイトルに朝はありませんが、スーパートランプの「Breakfast in America（'79）」も大ヒットしました。大好きなイギリスのバンドの一つで、特徴的なボーカルに惹かれていました。 フリートウッド・マックもイギリスのバンドですが、お金がない中高生時代にレコード店で「English Rose」のジャケットを見て、身長が2mもありそうなメンバーの写真にびっくりした記憶があります。フリートウッド・マックにも朝の曲があり、「Monday Morning（'75）」が収録されているアルバム「Fleetwood Mac（白いアルバム）」は大ヒットしています。 

モーリン・マクガヴァンが歌った映画「ポセイドン・アドベンチャー」の主題歌「The Morning After（'73）」も大ヒットしました。この頃はパニック映画と呼ばれる大規模な特撮を使ったハリウッド映画がヒットした時代でもあります。高層ビルが手抜き工事で大火災になる「タワリング・インフェルノ」もその一つです。 「ポセイドン・アドベンチャー」は豪華客船が上下逆さまになって沈没する中で脱出を試みる映画で、無事脱出した朝のシーンでこの曲が流れます。

80年代では、シーナ・イーストンの「Morning Train (Nine to Five)」（'80）が全米1位を獲得しています。

朝の音楽というと穏やかで落ち着いた雰囲気の曲が多いのかと思っていましたが、ヒット曲だけでも様々な曲調がありバラエティに富んでいます。

前述のヒット曲以外にも朝のイメージに合った曲を以下に紹介しておきます。気になる曲があったらぜひ一度聴いてみてください。

• Simon & Garfunkel - 「The 59th Street Bridge Song (Feelin' Groovy)」（'66）

朝の爽やかな気分や、新しい一日の始まりのウキウキした高揚感を思わせる軽快なアコースティックナンバーです。

• The Kinks - 「Sunny Afternoon」（'66）

厳密には「午後の日差し」の曲ですが、のんびりとした朝のティータイムやくつろぎのひとときに寄り添う、英国らしい乾いたユーモアと心地よいメロディが魅力です。

• Daryl Hall & John Oates - 「Everytime You Go Away」（※朝の曲ではありませんが80年代の定番） / 代わりに朝をテーマにした曲として George Benson - 「Morning Dance」（'79）（スパイロ・ジャイラのカバーでも有名）

スムーズジャズやフュージョン寄りの爽快なインストゥルメンタルで、きらめく朝の光や朝のドライブにぴったりのナンバーです。

驚かせ方と演出の妙：定番ホラーからJホラー、そして映画の歴史まで

ホラー映画の醍醐味は「驚きを楽しむこと」にあり、それは特にアメリカに代表される欧米の傾向と言えます。殺人鬼が突然現れたり、殺害手法に趣向を凝らしたりする作品が多いのがその証拠です。

『13日の金曜日』や『エルム街の悪夢』などはストーリーのパターンがほぼ固定化されているため、いかに斬新な殺害方法で驚かせるかが勝負どころとなります。近年では、こうした手法に加えて常軌を逸したシチュエーションで恐怖を煽るホラー映画も増加しています。『ソウ』はその典型例で、登場人物を強制的にゲームへ参加させるという当時としては画期的な手法が取り入れられました。もっとも、こうしたシリーズも続編を重ねるにつれてゲームの内容を過激にエスカレートさせるしかなくなるという宿命を抱えています。

一方で、『ファンタズム』のように独自のシュールな世界観を持ち、先の読めない展開で人気を博した作品もあります。また、イギリスのホラー作家クライブ・バーカー原作の『ヘルレイザー』も、シリーズ化されてコアなファンを獲得しました。こちらは地獄の門が開く立方体のパズルを軸にしたストーリーや設定に特徴があります。『13日の金曜日』のジェイソンや『エルム街の悪夢』のフレディのように、強烈な個性を持つメインキャラクターの人気が確立されたことも、熱狂的なファンを生んだ大きな要因です。『ヘルレイザー』においても、パズルそのものに加え、頭部に無数の釘を刺した「ピンヘッド」という悪魔的キャラクターが絶大な人気を誇りました。（ちなみに、ホラー小説集『血の本』を手掛けたクライブ・バーカーは、個人的にもお気に入りの作家の一人です）

なお、かつて耳にした記憶がある印象的な作品として、とある村落で毎年行われる奇祭を描いたものもあります。人々が結集して巨人の形を作りねり歩くという不気味なイベントですが、最後には阿鼻叫喚の結末が待ち受けているという、想像するだけで奇妙な雰囲気に包まれたストーリーでした。

これに対して、日本を代表するホラーである怪談は、ストーリー自体はほとんどの人があらかじめ知っており結末も明らかです。それでも昭和の時代には何度も映像化され、一定の人気を博しました。これは、物語の筋書きそのものよりも、演出や独特の雰囲気を楽しむ文化的土壌があったからこそ、何度でも受け入れられたのだと考えられます。

そうした怪談のなかでも、テレビ番組『日本名作怪談劇場 牡丹燈籠』の終盤のシーンは、類を見ない演出で視聴者の心に強いトラウマを刻みました。「夜明けまで家を出てはならない」と言われた主人公が、偽りの夜明けに欺かれて外へ出たものの、実際にはまだ真っ暗闇だったという場面です。それに気づいた瞬間、上から長い髪の女の幽霊が突如として降下してきて顔を合わせるという演出が仕掛けられていました。

定番の『牡丹燈籠』だと思って油断していた視聴者の予想を鮮やかに裏切るアプローチだったからこそ、トラウマ級のインパクトを残すことができたのです。このように、演出次第でマンネリ化したストーリーであっても、十分に新鮮な息吹を吹き込むことができます。

海外でも広く知られる『リング』の貞子も、「テレビ画面の中からはい上がってくる」というそれまでのホラーの常識を覆すアイデアで大ヒットを記録しました。ホラー映画はワンパターンで退屈だと敬遠している人でも、こうした演出の細かな違いに着目すると、新たな恐怖や面白さを発見できるかもしれません。

ホラー映画の歴史

• 黎明期（1890年代〜1930年代）：ジョルジュ・メリエスによる『悪魔の荘園』（1896年）などの初期フレンチ・ホラーを発端とし、その後1930年代にはユニバー・スタジオが『ドラキュラ』や『フランケンシュタイン』といった古典怪奇映画の黄金期を築きました。

• 変革期（1960年代〜1970年代）：アルフレッド・ヒッチコック監督の『サイコ』（1960年）や、ジョージ・A・ロメロ監督の『ナイト・オブ・ザ・リビング・デッド』（1968年）が登場。現実社会の恐怖や残酷さをリアルに描き出し、モダンホラーの基礎が作られました。また『エクソシスト』（1973年）などのオカルトブームも到来しました。

• スラッシャー・ブーム（1970年代末〜1980年代）：『ハロウィン』（1978年）や『13日の金曜日』（1980年）など、殺人鬼が若者たちを次々と襲うスラッシャー映画やスプラッター映画が量産され、一大ジャンルとなりました。

• Jホラーとファウンド・フッテージ（1990年代〜2000年代）：『リング』（1998年）や『呪怨』（2000年）などのJホラーが国内外でヒットし、ジワジワと迫る恐怖や怨念の表現が注目されました。また『ブレア・ウィッチ・プロジェクト』（1999年）以降、ドキュメンタリー風の映像手法（ファウンド・フッテージ）も流行しました。

• 多様化とニューウェーブ（2010年代以降）：『ソウ』や『死霊館』ユニバースに代表されるシチュエーション・スリラーやエンタメ系ホラーに加え、A24などのスタジオが手掛ける芸術性の高い「アート・ホラー（スマート・ホラー）」など、多様なアプローチの作品が次々と生み出されています。

※夜とホラーは切っても切り離せませんが、せめて現実の夜は穏やかに過ごしましょう

外見と声がまるで一致しないミュージシャンは意外に多いものです。これはルッキズムによる偏見ではないと断言しておきますが、優しそうな顔をしていて声が大きく乱暴だったというギャップは日常でもあり得ることです。

特に60年代は今ほど外国人ミュージシャンの動画がなかったので、写真を見るだけでは歌声まで想像できませんでした。日本人歌手はヒット曲があればTVによく出ていたので顔と声が一致しますが、それでも菅原洋一さんや小椋佳さんなどは、外見からの想像を超える美声で有名でした。

洋楽のミュージシャンで個人的にギャップを感じたのは、ギルバート・オサリバンでした。彼は当初、髪型がおかっぱに近かったので、あの美しい声のイメージが湧かなかったのです（おかっぱの人はごめんなさい）。ギルバート・オサリバンの「アローン・アゲイン」や「ゲット・ダウン」は、アニメや実写映画でも使われていました。

もっとも「アローン・アゲイン」は、映画ではテーマソングでしたが、アニメでは歌詞の内容が物語にそぐわないため、一度しか放送されなかったようです。

もう一人ギャップを感じたミュージシャンは、クリストファー・クロスです。写真だけを見るとおじさんにしか見えないのですが、歌声は「美声」と呼ぶにふさわしい素晴らしい声質です（おじさんの皆さんごめんなさい）。

クリストファー・クロスには、「風立ちぬ（Ride Like the Wind）」「セイリング（Sailing）」「ニューヨーク・シティ・セレナーデ（Arthur's Theme (Best That You Can Do)）」などの名曲があります。どれも美しい曲で今でも大好きです。

見た目と声のギャップについて語ることは、一見すると見た目をけなしているように聞こえてしまうかもしれませんが、むしろ「声の素晴らしさを強調している」と捉えてもらえると助かります。ミュージシャンに限らず、人間には良いところと悪いところがあるのが自然です。悪い点をカバーできるほど良い点を育てていけば、短所も気にならなくなります。それを体現したのが、前述のミュージシャンたちなのかもしれません。

「ギャップ萌え」という言葉があるくらいなので、ギャップそのものは必ずしもマイナスの評価ではありません。しかし、時にはそれが大きな賛否両論を巻き起こすこともあります。

例えばメタルには、他のジャンルを取り入れたサブジャンルがたくさん存在します。「プログレッシブ・メタル（Progressive Metal）」「メタルコア（Metalcore）」「ニュー・メタル / ラップメタル（Nu Metal）」などのほかに、「ヴァイキング・メタル（Viking Metal）」や「ニンテンドーコア（Nintendo Core）」まであります。

そうした中でBABYMETALが登場した際、大きな賛否両論が巻き起こったのは、「かわいらしいアイドル風のボーカル」があまりにも従来のメタルミュージックと異質に思えたからでしょう。

しかし正統派のメタルエリートにとって皮肉なことに、この賛否両論があったからこそBABYMETALの認知度は一気に高まりました。「1年も持たない」とまで言われたBABYMETALですが、10年以上が経過した今も第一線で活躍し続けています。単純な話、自分の好みに合わない音楽は聴かなければいいだけで、頭ごなしに批判する必要はまったくありません。

今では日本のガールズバンドやメタルシーンが世界的に見てもますます盛況ですが、この流れにはBABYMETALの世界的な活躍も大きく影響しているのではないでしょうか。

※今回の動画はブログの内容とは無関係ですが、これもギャップ萌えということで。

60年代の一大ムーブメントと音楽の流れ

 

ご提示いただいたブログ下書き文章を校正いたしました。

結論として、全体的に体験談や当時の空気感が豊かに伝わる素晴らしい内容です。今回の校正では、誤字の修正、英語表記（バンド名・曲名・地名）の追加、読みやすさを高める文末や文章構成の調整を行っています。

校正案

60年代はヒッピー（hippie / hippy）とロックの時代だったと感じます。ヒッピーは当時のベトナム戦争に反対し、銃ではなく花で平和を実現しようとした「フラワー・ムーブメント（Flower Movement）」の賛同者の総称です。彼らは髪に花を挿し、銃を構える兵士の銃口に花を挿すことで平和を訴えました。これらの行動には常に音楽が伴い、「ラブ＆ピース（Love & Peace）」という言葉もこの頃から広まっていきました。

フラワー・ムーブメントはサンフランシスコを中心として広がっていきましたが、当時の様子を象徴的に歌ったのが、スコット・マッケンジー（Scott McKenzie）の「花のサンフランシスコ（San Francisco / Be Sure to Wear Flowers in Your Hair）」です。「サンフランシスコに行くときは、忘れずに髪に花を挿しておくれ」といった内容の歌詞を持つこの曲は、ジャンルとしてはフォーク・ロック（Folk Rock）に分類されますが、同じ頃にはサイケデリック・ロック（Psychedelic Rock）も誕生しています。このジャンルではジミ・ヘンドリクス（Jimi Hendrix）が非常に有名です。

フラワー・ムーブメントの最盛期は、1967年の「サマー・オブ・ラブ（Summer of Love）」と呼ばれる現象で、サンフランシスコのヘイト・アシュベリー（Haight-Ashbury）地区には10万人以上のヒッピーが集まったとされています。

しかし、集まった人数の多さでは1969年の野外ロックフェス「ウッドストック（Woodstock Festival）」が群を抜いているでしょう。40万人ものヒッピーが、会場として場所を提供したマックス・ヤスガー（Max Yasgur）の酪農農場に集まり、共同生活を送りました。「ウッドストック」はニューヨーク州の地名ですが、実際のフェス会場は70kmほど離れたベセル（Bethel）という町にある農場でした。あまりにも大勢の人が集まることを見越して、会場が変更されたのかもしれません。

当時の様子は、クロスビー、スティルス、ナッシュ＆ヤング（Crosby, Stills, Nash & Young）の「ウッドストック（Woodstock / ジョニ・ミッチェル作詞・作曲）」や、マウンテン（Mountain）の「ヤスガーの農場（For Yasgur's Farm）」でも歌われています。

当時、ウッドストックはドキュメンタリー映画化され、私も友人と映画館へ観に行った記憶があります。当時は中学生だったこともあり、フラワー・ムーブメントそのものよりも音楽に強く惹かれました。特にザ・フー（The Who）の「シー・ミー・フィール・ミー（See Me, Feel Me）」には深い感銘を受けました。発表されたばかりの金字塔的ロック・オペラ・アルバム『トミー（Tommy）』を代表する名曲のひとつです。映画では会場へ向かうヒッピーの群れや場内の熱気がリアルに描かれており、期間中に亡くなった方も数名いたようですが、逆に新しく生まれた命もあったと言われています。

ヒッピーといえば、そのファッションや生き方そのものが象徴的だったジャニス・ジョプリン（Janis Joplin）も忘れることができません。ハスキーで魂を揺さぶるような歌唱が特徴ですが、実は初期の頃はそれほど好みではありませんでした。そんな私が彼女に魅了されたきっかけが、「ジャニスの祈り（Move Over）」でした。

当時、地元で開催されていたラジオ局主催のレコード鑑賞会のような催しで、初めて「ジャニスの祈り」を聴きました。優れた音響設備も相まって、冒頭のイントロから圧倒的な迫力と衝撃を受けたのを鮮明に覚えています。

また、サイケデリック・ロックの代表格であるジェファーソン・エアプレーン（Jefferson Airplane）も「あなただけを（Somebody to Love）」などの大ヒットを生み出しましたが、時代の移り変わりに合わせてバンド名を変更していったことでも有名です。のちにジェファーソン・スターシップ（Jefferson Starship / 1974年〜）、さらにスターシップ（Starship / 1985年〜）へと2段階の変遷を遂げていきました。

60年代後半の「フラワー・ムーブメント」から「ウッドストック」に至る一大ムーブメントは、単なる若者の文化にとどまらず、ロック音楽の進化と深く結びついた歴史的な転換期でした。

反戦と平和を掲げたヒッピーたちの精神は、フォーク・ロックやサイケデリック・ロックといった新しい音楽表現を生み出し、ジミ・ヘンドリクスやジャニス・ジョプリン、ザ・フー、ジェファーソン・エアプレーンといった伝説的アーティストたちによって鮮やかに彩られました。

映画館の大画面やラジオ局の優れた音響で出会った楽曲の衝撃は、時代を超えて今なお色あせることなく、当時の熱気と「ラブ＆ピース」のメッセージを現在に伝え続けています。

当時のロックから派生したメタルのジャンルは、激しい曲調ですが暴力的な方向ではなくワークアウトのBGMになっています。まさに音楽の平和的な利用ですね。

子供の頃の記憶と音楽

子供の頃の記憶は年齢を重ねるにつれて曖昧になっていくのが自然ですが、いくつかはいまでも思い出せる記憶が誰にでもあるのではないでしょうか。個人的には、初めて母親が映画に連れて行ってくれた作品が日本映画の『地獄』であったことを覚えています。

もちろんタイトルを覚えていたわけではなく、その映画の一部のシーンが記憶に残っているのです。また、映画館の前に「閻魔大王」のパネルがあったのですが、母親が怖がらせようと思って私をパネルに近づけたものの、まったく驚きませんでした。しかし、映画を見終わった後に同じことをされた時には泣いた記憶があります。

こうしたインパクトのある記憶は60年以上経過してもはっきり覚えているものですが、人間の記憶は曖昧なので、本当の記憶なのか、後で母親から聞かされたことを記憶と勘違いしているのか、その可能性も否定できません。

他にも小学校のときに野球やスキーをやっていたことや、自転車に乗る練習をしたことなども断片的に覚えてはいますが、映画のエピソードほど鮮明ではありません。

しかし、不思議なことに音楽が記憶と結びついていると意外にもはっきり覚えていたり、音楽を聞いて古い記憶が蘇ったりすることは、皆さんも経験しているのではないでしょうか。

ビートルズが来日したときにTV放送された記憶があり、それに関連して祖母がビートルズを知っていることに驚いた記憶も残っています。音楽とは直接関係ありませんが、祖母がプロレス中継を見るたびに、レフェリーのことを相撲の「行司（ぎょうじ）」と呼んでいたことも思い出すことがあります。プロレス中継と祖母の記憶がつながっているのです。

音楽は特に感情を刺激することが多いので、その時の記憶と結びつきやすいのではないでしょうか。個人的には、2010年代に良くない出来事があったときにヒットした「バッド・デイ（ダニエル・パウター）」や「ユア・ビューティフル（ジェームス・ブラント）」は、大好きな曲ですが複雑な気分で聴いてしまいます。

反対に、子供の頃に聴かせる曲には十分注意したほうがいいかもしれません。いくら自分が好きだと言っても、幼児にヘビーメタルを聴かせるのはやりすぎでしょう。将来有名なヘビーメタルのミュージシャンになる可能性はありますが、情緒不安定になったりトラウマになったりする可能性も否定できないからです。

やはり物心がつかない時期には、心が落ち着く安定した曲を聴かせるのが無難だと思います。

しかし、思春期になれば何を聴いていても親にやめさせる権利はありません。それに、否定されればされるほどのめり込んでいくのが青春時代というものです。

ボブ・ディランの曲「時代は変わる（The Times They Are A-Changin'）」の歌詞に、以下のような有名な一節があります。

"Don't criticize what you can't understand"

直訳すると「自分が理解できないものを批判するな」という意味になります。曲が発表された60年代は、それまでにない音楽やサブカルチャーが花開いた時代です。現在では気にする人もいない男性の長髪などもその一つでした。

これらは、若者文化を頭ごなしに否定し、やめさせようとした親世代に向けたメッセージです。これは今でも教訓として十分通じると思います。自分と考え方が違う人を否定する文章はSNS上にあふれています。そこで、この一節を知らなかった人はこれを覚えておいて、SNSを発信する前に思い出してみましょう。

批判は相手の考えを理解したうえで行うもので、理解できないからと拒絶し否定するのは、単なる誹謗中傷なのです。

アニメのテーマ曲とエンディング

昔のアニメの主題歌といえば、作品に合わせて作詞・作曲されたオリジナルの楽曲が常識でした。「サザエさん」のテーマソングが典型的な例で、日本人であれば誰でも口ずさめる曲になっています。他にも「いなかっぺ大将」の主題歌などが有名です。歌手は当時まだ無名だった吉田よしみ（後の天童よしみ）で、後に大ヒット歌手となった際に「この歌も歌っていたのか」と話題になりました。

当時のアニメは子供向けがほとんどだったため、子供にもわかりやすい歌詞やメロディーが必要だったのでしょう。しかし、1980年代以降、アニメの主題歌事情は大きく変化していきます。

もちろんアニメの内容に沿った歌詞の主題歌もまだありましたが、有名ミュージシャンの楽曲やタイアップ曲が増えていきました。アニメを観る世代が子供から10代後半以上まで広がったことも要因の一つでしょう。

◆80年代アニメの主なテーマソングと歌手・ミュージシャン

• 『CAT'S EYE』（杏里）：『キャッツ・アイ』オープニング

• 『タッチ』（岩崎良美）：『タッチ』オープニング

• 『Get Wild』（TM NETWORK）：『シティーハンター』エンディング

• 『摩訶不思議アドベンチャー!』（高橋洋樹）：『ドラゴンボール』オープニング

• 『愛をとりもどせ!!』（クリスタルキング）：『北斗の拳』オープニング

こうしてみると、「Get Wild」をはじめ、アニメのタイアップとして有名アーティストを起用する傾向が強まっていったことがわかります。

◆90年代アニメの主なテーマソングと歌手・ミュージシャン

• 『プラチナ』 / 坂本真綾 （『カードキャプターさくら』OP）

• 『世界が終るまでは…』 / WANDS （『SLAM DUNK』ED）

• 『煌めく瞬間に捕われて』 / MANISH （『SLAM DUNK』ED）

• 『そばかす』/ JUDY AND MARY（『るろうに剣心』OP）

これらの曲の多くは、アニメの物語や設定とは直接関係のない、アーティストのタイアップ曲（または既存曲）です。なぜこうした傾向が強くなったのかというと、当時のレコード会社（現在の音楽レーベル）のマーケティング戦略が大きな要因とされています。

言葉は悪いですが、アニメというメディアを活用してタイアップを行い、楽曲のヒットやミュージシャンの知名度を上げることが目的であり、その思惑は見事に成功したと言えるでしょう。

2000年代以降は、こうした露骨な商業主義的タイアップに対する見直しが進みつつも、原作の雰囲気を考慮した既存曲（洋楽など）を採用するケースも出てきました。オリジナル曲だけに固執せず、作品の世界観と合致していれば積極的に採用するという柔軟な方向性に変化してきたのかもしれません。

『ジョジョの奇妙な冒険』のエンディングにイエスの「Roundabout」が起用された時は、洋楽ファン・プログレファンとして胸が熱くなったのを覚えています。『ジョジョの奇妙な冒険』は登場人物やスタンド名に洋楽の楽曲やミュージシャン名が多数登場するため、洋楽ファンにとってもたまらない作品です。

※進撃の巨人は久しぶりにリアルタイムで追い続けた漫画でした

なぜアスリートは音楽を聴くのか？筋トレやランニングのやる気を出す名曲まとめ

CDやサブスクにはない魅力！今あえて「レコード」を聴きたくなる理由

レコードは昭和の時代、音楽を聴くための一般的なツールでした。ポリ塩化ビニールで作られていることから、英語では「Vinyl（ヴァイナル）」と呼ばれています。レコードは取り扱いを誤ると、すぐにホコリが付着して雑音が生じてしまいます。そのため、静電気防止スプレーやホコリ取り用のクロスは必須アイテムでした。

その後、普及する音楽媒体は磁気テープ（カセットテープ）やCDへと変遷し、現在ではストリーミング配信が主流となっています。手軽に、どこにいても音楽が聴けるという意味では便利な時代になりました。

しかし、レコードそのものは消えることなく、むしろ近年では人気が再燃していると言われています。その理由は様々ですが、私が考える最も大きなポイントは「音質の深み」です。 レコードからCDへの移行期、山下達郎氏が「まだCDの音質はレコードには及ばない」として、すぐにはCD化しなかったというエピソードがあります。それほど音質に明確な違いがあったのでしょう。

もう一つのメリットとして挙げられるのが、ジャケットデザインを楽しめる点です。特にLPレコードは30cm四方ほどの大きさがあるため、アルバムごとに趣向を凝らしたデザインを鑑賞できます。 有名なジャケットとしては、ピンク・フロイドの『原子心母』に描かれた牛のジャケットや、『狂気』のプリズムのデザインが挙げられます。これらはすべて「ヒプノシス」というデザイン集団が手掛けたものです。 また、イエスのジャケットも作品ごとに独自の世界観がありますが、そのほとんどをアーティストのロジャー・ディーン氏が手掛けています。

スマートフォンなどの小さな画面では、こうしたジャケット美術の魅力を十分に味わうことは難しいでしょう。音楽だけでなく「ジャケットデザインも含めて作品を楽しみたい」という人が増えたことも、レコード復活の後押しになっているのではないでしょうか。

インテリアとしてジャケットだけを飾る人もいるかもしれませんが、レコードの売り上げとともにレコード針の売り上げも伸びていることを考えると、実際にプレイヤーで再生して聴いている人が増えていると分かります。 レコード針の最大手メーカー「ナガオカ」は、市場がCDへ移行した際、経営が風前の灯火（ともしび）とまで言われていました。しかし現在では、海外市場でも高級レコード針の売り上げが伸びるなど、かつての勢いを取り戻しつつあるようです。私自身、ナガオカのレコード針には大変お世話になったので、個人的にも応援したい気持ちでいっぱいです。

なお、レコード針を使わずに光で音を読み取る「レーザーターンテーブル」という技術もありますが、非常に高価格帯であるため、ナガオカのような針メーカーの業績を脅かすほどの影響はないでしょう。

※レコード時代の雰囲気を表現したBGM動画です

ドライブでの音楽

 目を悪くしてからドライブにはあまり縁がなくなってしまいましたが、かつてドライブのお供といえばカセットテープやラジオが中心でした。その後CDがメインになりましたが、今はどうなのでしょうか。

ドライブ中に聴く音楽は、大きく分けて2種類あると思います。ハードな曲をガンガン鳴らすか、あるいはドライブデートのように会話を邪魔しないBGM風の曲か。

Lo-Fiはまさに後者のタイプの音楽です。室内での読書や勉強中のBGMにも向いており、まさにオールマイティーなBGMと言えます。

昔よくドライブで聴いていたのは、山下達郎や大瀧詠一、YMOなどでした。特に夏のドライブには山下達郎や大瀧詠一がぴったりで、当時は好きな曲を寄せ集めてドライブ用のオリジナルカセットテープを作るのが流行っていました。今で言う「プレイリスト」のようなものですね。

今のストリーミングサービスでは他人が作ったプレイリストも手軽に利用できるため、自分で作る必要はなくなりましたが、あれこれ悩みながら好きな曲を選ぶ時間そのものが一つの楽しみでもありました。

※ドライブ向けLo-FiBGM

ドライブ中に聴く音楽やプレイリストは、運転の疲労を軽減し、移動中の気分を高める重要な役割を果たします。利用者の多い音楽配信サービスの動向や、シチュエーションに応じた楽曲・プレイリストの選び方について解説します。

ドライブで選ばれやすい音楽の傾向と特徴

車内で流す音楽には、走行音の中でも聴き取りやすく、リズム感が心地よい楽曲が好まれる傾向があります。

• 爽快感・テンポ感重視: テンポが良く清涼感のあるJ-POPや洋楽は、天気の良い日のドライブや高速道路の走行時に適しています。

• 洋楽・AOR・フュージョン: 都会的な街乗りや夜間の高速道路では、主張しすぎず車内の雰囲気を引き立てる洗練されたリズムの楽曲が人気です。

• 定番ドライブソング: [Alexandros]の「ワタリドリ」やL'Arc~en~Cielの「Driver's High」、藤井風の「きらり」など、疾走感のある楽曲が広く親しまれています。

主要配信サービスの公式プレイリスト活用

サブスクリプション型の音楽配信サービスでは、ドライブのシチュエーションに応じた公式プレイリストが多数提供されています。

• Spotify: 「令和・平成編 ドライブが100倍楽しくなるドライブソング」など、年代やジャンルを越えたヒット曲をまとめたリストが豊富です。

• Amazon Music: 「ドライブに聴きたい曲」といった定番のプレイリストがあり、最新ヒット曲から往年の名曲まで幅広く網羅されています。

• Apple Music: 「今聴きたい、ドライブソング」など、季節や気分に合わせた選曲が更新されています。

自作プレイリスト作成のポイント

自分でドライブ用のプレイリストを組む際は、以下の構成を意識するとより快適な車内空間を作ることができます。

1. 序盤（出発〜市街地）: 軽快でテンポの良い曲でテンションを上げ、運転への集中を高めます。

2. 中盤（高速・郊外・沿岸部）: 爽快感のあるロックやフュージョン、POP系を中心に構成し、心地よい走行感を維持します。

3. 終盤（帰路・夜間）: ゆったりとしたAORやバラード、ローファイなサウンドを取り入れ、長時間の運転による疲れを和らげます。

用途や同乗者の好みに合わせてプレイリストを準備しておくことで、より快適なドライブを楽しめます。

ヘビメタでワークアウト

 

若い頃はヘヴィメタルをほとんど聴いていませんでしたが、そもそも当時は「ヘヴィメタル」というジャンル自体がまだなかったように記憶しています。当時は、重厚で激しい音楽といえば主に「ハードロック」と呼ばれていた時代でした。

「ヘヴィメタル」という言葉自体も、ステッペンウルフの『ワイルドで行こう（Born To Be Wild）』の歌詞で耳にしたことがあるくらいでした。

私が初めてヘヴィメタルという存在を意識したのは、メタリカの『エンター・サンドマン』だったと思います。これも、松井秀喜選手がヤンキースにいた頃の守護神マリアノ・リベラの登場曲だったことがきっかけでした。

メタリカには『エンター・サンドマン』のほかにも、ラブクラフトのクトゥルフ神話を題材にした『クトゥルーの呼び声（The Call of Ktulu）』のように、ホラーテイストの楽曲が多く、そこに惹かれていきました。

ヘヴィメタルはテンションが上がる曲が多いので、運動しながら聴くとトレーニングの効果も高まりそうです。

この動画の音楽はSunoで作られています。簡単にSunoのメリットやデメリットをまとめてみました。

Sunoは、テキストによるプロンプト（指示文）や歌詞を入力するだけで、ボーカルと楽器演奏を含む高品質なオリジナル楽曲を数秒で自動生成できる大人気の音楽生成AIプラットフォームです。専門的な音楽知識や楽器演奏のスキルがなくても、誰でも手軽に本格的な曲を作れることから、世界中のクリエイターやリスナーに広く利用されています。

Sunoの主なメリット

• 圧倒的な手軽さとスピード 「アップテンポなロック」「切ないピアノ曲」といった雰囲気を文章で指示するだけで、メロディ、編曲、ボーカル、歌詞を含んだ楽曲が数十秒で完成します。思い立った瞬間にアイデアを音にできる機動力があります。

• 自然な日本語対応と高い表現力 日本語の歌詞やナレーションにも自然なイントネーションで対応しており、v6などの最新モデルではさらにボーカルの質感や楽器の解像度が向上し、メジャー音楽に引けを取らないクオリティを実現しています。

• 商用利用の権利（有料プラン） 有料プラン（Proプランなど）に加入することで、生成した楽曲をYouTubeの収益化動画や配信、各種商用プロジェクトで利用できるようになります。

Sunoの主なデメリット

• 著作権や権利関係の複雑さ AI生成音楽の法的解釈は発展途上であり、学習元データや生成物の権利帰属、類似曲に関するトラブルなど、商用利用時のリスクや不確実性が完全に払拭されているわけではありません。

• 無料プランの制限と商用利用不可 無料プランでも一定のクレジットが付与されて楽曲生成を行えますが、生成した楽曲の著作権や商業的権利は運営側に留保されるため、原則として商用利用には使えません。また、生成回数や機能に制限があります。

• 細かな部分修正（コントロール）の難しさ プロンプト主体であるため、「ここのメロディのこの音程だけを変えたい」「ギターのフレーズをピンポイントで修正したい」といった細部の微調整を意図通りに行うのが難しく、納得のいくテイクが出るまで生成を繰り返す必要がある場合があります。

Sunoは、作曲のハードルを劇的に下げ、誰もが音楽制作を楽しめる環境を提供する革新的なツールです。規約を守りながら、アイデア出しやBGM制作の強力なパートナーとして活用されています。

ローハイ？

 私の年齢だと「ローハイ」と聞くと「ローハイド（Rawhide）」を思い出します。古い西部劇のTVドラマですが、内容は覚えておらずタイトルだけが記憶に残っています。

ローハイは「Lo-Fi」のことで、ローハイドとは綴りも意味も全く異なります。Hi-Fi（高音質）の対義語であり、あえて低音質にして昔のレコードプレイヤーで再生したときのような雑音やノイズを混ぜた音質を指します。

現在では単なる音質の状態だけでなく、そうした味のある懐かしい音で作られたゆったりした音楽そのものを「Lo-Fi（ローファイ）」というジャンルとして呼びます。リラックスしたいときや読書、作業中のBGMとして聴くのに最適です。

同様に「チル（Chill）」は英語のスラングで「ゆったり」や「まったり」といった意味があり、Lo-Fiと組み合わせて「Chill Lofi」のように音楽ジャンルや雰囲気を表す言葉としてよく一緒に使われています。

◆Lo-Fi、Chillに人気がある理由

ローファイ（Lo-Fi：Low Fidelity）およびチル（Chill）は、あえて高音質を求めず、温かみのあるノイズやゆったりとしたビートを特徴とする音楽ジャンルおよびスタイルです。現代のデジタル社会において絶大な支持を集めるこのジャンルの歴史と、根強い人気の背景を紐解きます。

• ルーツと発展（1980年代〜1990年代） 「Lo-Fi」という言葉自体は、1950年代から存在したホームレコーディングや、意図的に音質を落としたパンク・ロック、インディーロックの文化に源流を持ちます。1990年代に入ると、J・ディラやNujabesといったヒップホップ・プロデューサーたちが、ジャズやソウルメンタリティのレコードから音源をサンプリングし、あえてザラついた音質（レコードのノイズやテープの劣化音）を活かしたビートメイキングを確立しました。これが現在のローファイ・ヒップホップの土台となります。

• ネット社会とYouTubeが生んだ黄金期（2010年代以降） 2010年代半ば以降、インターネットの普及とともに、YouTubeのライブ配信チャンネル（勉強や作業用として24時間配信を行う「Lofi Girl」など）が世界的なブームの火付け役となりました。チルアウト（リラックス）を目的としたメロウなループ音源とアニメーションの組み合わせが世界中のユーザーに拡散され、音楽のサブジャンルとして不動の地位を築きました。

• なぜ根強い人気があるのか（人気の理由）

  • 情報過多な現代における「デジタルデトックス」 SNSや通知に囲まれた現代人が、日常のストレスや情報過多から解放され、心を落ち着かせるための「逃避場所（サードプレイス）」として機能しています。

  • 心地よい不完全さ（ノスタルジーと癒やし） デジタル機器による完璧すぎる音ではなく、あえて「よれたビート」やレコードのノイズ、雨音などの環境音を取り入れることで、人間の脳がリラックス状態（α波）になりやすい心地よさを生み出しています。

  • 作業用BGM（ワーク・ライフ・バランス）としての機能性 歌詞がない、あるいは主張が控えめなメロディ構造であるため、勉強、読書、プログラミングなどの集中力を要する作業の邪魔にならず、むしろ生産性を高めるBGMとして最適である点が、日常的なルーティンに定着した大きな要因です。

ローファイとチルは、最先端のデジタル技術を背景に持ちながらも、人間が本質的に求める「温もり」や「安らぎ」を提供してくれる存在として、これからも形を変えながら愛され続けていくでしょう。

イージーリスニング動画と3人の孫

 昭和の時代では写真を元にしてデフォルメ化した画像を作るというのはハードルが高いものでした。今では画像生成AIに簡単にできるので、今回作った動画の映像部分はそれで作ってみました。

孫3人の写真を元にしてアニメ風に加工した映像を使っています。音楽は寝かしつけにも使えるように穏やかなイージーリスニングで、作業や読書、勉強中のBGMにも最適です。

画像や動画を作るのに利用したCapcutのサービス概要とメリット・デメリットです。

CapCutは、ByteDance社が提供する初心者からプロまで幅広く利用されている多機能動画編集ソフト・アプリです。スマートフォン（iOS/Android）、パソコン（Windows/Mac）、ブラウザ版などマルチデバイスに対応しており、手軽に高品質な動画を制作・編集できます。

CapCutの主なメリット

• 直感的で操作性が高いインターフェース タイムライン操作が明快で、カット編集、トリミング、テキスト追加、BGM設定などの基本作業を直感的に行えます。動画編集の初心者でも迷わず使いこなせます。

• 充実したAI機能と自動化ツール 音声から自動で字幕を生成する「自動キャプション」、背景をワンタップで切り抜く「背景除去」、テキスト読み上げ機能など、制作効率を飛躍的に向上させるAIツールが豊富です。

• 豊富な素材・テンプレート 最新のトレンドに合わせた動画テンプレート、効果音、BGM、フィルター、スタンプ、トランジションが多数用意されており、手軽にSNS映えする動画を作成できます。

• 基本機能が無料で利用可能 主要な編集機能やエフェクトの多くを無料で利用でき、書き出し時の画質設定（4K解像度や60fpsなど）も高スペックに対応しています。

CapCutの主なデメリット

• 商用利用の規約制限 アプリ内で提供されている一部のBGMや効果音、フォント、素材には個人利用に限定されているものが含まれます。YouTubeの収益化動画や企業のPR動画などで利用する際は、ライセンス違反にならないよう注意が必要です。

• 有料プラン（CapCut Pro）への一部移行 高度なAIエフェクト、一部の高品質なテンプレート、容量の大きなクラウドストレージなどの一部機能は有料版（CapCut Pro）の契約が必要です。

• 端末への負荷とスペック要求 高解像度の動画編集やAIエフェクト処理を行う際、スマートフォンのバッテリー消費が激しくなったり、スペックの低い端末ではアプリが強制終了・動作遅延したりすることがあります。

CapCutは、TikTokやYouTube、InstagramなどのSNS向け動画から、BGMや環境音を組み合わせたVlog・動画コンテンツまで、素早く高品質に仕上げたいクリエイターにとって非常に頼もしい編集ツールです

コンセプト・アルバムの最高峰「狂気」

 

70年代のプログレッシブ・ロックによくあったのが、1枚のアルバムを使って一つのテーマを表現した、組曲風のコンセプト・アルバムです。

例を挙げると、ピンク・フロイドの「原子心母」、イエスの「危機」、ロック・オペラと呼ばれたザ・フーの「トミー」などが、そうしたアルバムです。

一方、コンピレーション・アルバムと呼ばれているのは、特定のくくりで複数の曲を集めたアルバムで、複数のミュージシャンの曲が収録されることも多く、アニメの主題歌集などはその代表例です。

最もヒットしたコンセプト・アルバムは、ピンク・フロイドの「狂気」ではないでしょうか。一般的なアルバムも含めて、アルバムとしてトップクラスの売上を記録しています。

「狂気」はビルボードのアルバム・チャートで1位を獲得したほか、741週連続でチャートインした記録でも知られ、ギネス世界記録にも掲載されています。

レコードの売上枚数も世界で5000万枚以上とされており、歴史的な大ヒットアルバムです。

まさに「狂気の沙汰」と言えますね。

天岩戸伝説がテーマのプログレ風コンセプト・アルバムをSunoで作ってみました。

◆ピンク・フロイドの歴史

ピンク・フロイド（Pink Floyd）は、プログレッシブ・ロックの代名詞として音楽史に不滅の足跡を残した英国のロックバンドです。

• バンド結成とシド・バレットの時代 1960年代半ば、シド・バレットを中心に結成。1967年にアルバム『夜明けの口笛吹き』でデビューし、サイケデリック・ロックの寵児として脚光を浴びました。しかし、中心人物であったシドは精神的不調により早々に脱退を余儀なくされます。

• 試行錯誤と世界的ブレイク シドの離脱後、デヴィッド・ギルモアが加入。ロジャー・ウォーターズ、リチャード・ライト、ニック・メイスンとともに大作志向のサウンドへシフトします。1970年の『原子心母』や1971年の『おせっかい』を経て、1973年に歴史的名盤『狂気（The Dark Side of the Moon）』をリリース。全米チャートに741週（約15年間）にわたりランクインし続ける前人未到の記録を打ち立て、世界的メガバンドへ成長しました。

• コンセプト・アルバムの金字塔 1975年の『炎〜あなたがここにいてほしい』では元メンバーのシドへの想いを描き、1979年の『ザ・ウォール』では人間の孤立や社会への不信をテーマにした壮大なロック・オペラを完成させました。

• メンバー間の軋轢と解散 ウォーターズの独導的な主導権に対してメンバー間の不和が深刻化し、ライトの解任やウォーターズの脱退（1985年）へ発展。その後はギルモアを中心に活動を継続し、2005年のチャリティライブ「Live 8」では奇跡的に4人での再結成パフォーマンスを果たしました。

代表的なエピソード

• 「Shine On You Crazy Diamond」録音中の奇跡 1975年、シド・バレットに捧げる楽曲の録音中、音信不通だったシド本人がアビー・ロード・スタジオに突如現れました。容姿が激変していたため、メンバーは当初彼だと気づかず、正体を知るとショックで涙を流したと語られています。

• 映画『ライブ・アット・ポンペイ』 1971年、西暦79年に火山噴火で埋没した古代ローマのポンペイ遺跡（無観客の円形劇場）でライブを撮影。自然の残響音と音響機材を組み合わせた映像美は、彼らの実験的精神を象徴する作品となりました。

• 『狂気』ジャケットデザインの誕生 プリズムを通した光が虹色に分かれる有名なジャケットアート（ストーム・トーガソン率いるヒプノシス制作）は、「シンプルでエレガントなものを」というメンバーの意向から生まれ、ロック界で最も認知されるデザインの一つとなりました（※一部画像は推測を含む当時の記録画像に基づくイメージです）。

革新的なスタジオワークとコンセプト性の高い歌詞で、ロックを音の芸術へと昇華させた偉大なバンドです。

テクノポップ

 

個人的に昔から電子楽器の音が好きだったため、プログレッシブ・ロックが好きになったのか、それともプログレッシブ・ロックの影響で電子楽器が好きになったのかはわかりません。しかし、そのことがきっかけでテクノポップも好きになったのは、ある意味で必然だったのかもしれません。

テクノポップの代表といえば、まずYMOが思い浮かびます。初めてプログレッシブ・ロックを聴いたときと同じように、大きな衝撃を受け、夢中になった覚えがあります。YMOは日本だけでなく世界的な人気を獲得し、海外ツアーも行っています。

YMOの曲をマイケル・ジャクソンがカバーしたことを知ったのは、かなり後になってからでした。正確には、YMOの「ビハインド・ザ・マスク」をエリック・クラプトンがカバーし、さらにその曲をマイケル・ジャクソンがカバーした、という流れのようです。

海外の著名なミュージシャンが日本の曲をカバーする例はほかにもあるかもしれませんが、複数の世界的なミュージシャンにカバーされた例は、そう多くないのではないでしょうか。

YMO以外では、ドイツのクラフトワークも好きです。「アウトバーン」や「ショールーム・ダミーズ」などは日本でも有名ですが、クラフトワークはYMOよりも前に結成されているため、YMOに影響を与えたミュージシャンの一つと言えるでしょう。

※70年代のテクノポップの雰囲気を残してSunoでアルバムを作ってみました

◆テクノポップの歴史

テクノポップ（Technopop）は、シンセサイザーやシーケンサー、ボコーダーといった電子楽器を前面に押し出した、キャッチーで未来的（レトロフューチャー）なポピュラー音楽のジャンルです。1970年代後半の誕生から現在に至るまで、音楽シーンに大きな影響を与え続けています。

• 誕生と世界的な台頭（1970年代後半） テクノポップの原点は、ドイツの電子音楽グループ「クラフトワーク」にあります。彼らがアコースティック楽器を排し、電子音のみで構築したポップミュージックを提示したことがすべての始まりでした。 この潮流を決定づけたのが、1978年に日本で結成されたYMO（イエロー・マジック・オーケストラ）です。細野晴臣、高橋幸宏、坂本龍一の3人は、コンピューターによる自動演奏（打ち込み）と鋭いポップセンスを融合させ、世界中で大ブレイクを果たしました。

• 代表的エピソード：世界を驚かせたコンピューター演奏 YMOの初期の海外ツアーにおいて、シンセサイザーやシーケンサー（当時は大型で高価な機材）をステージ上に並べて自動演奏させるスタイルは、当時の音楽関係者に大きな衝撃を与えました。生演奏が当たり前だった時代において、コンピューターが正確無比なリズムを刻み続けるステージングは「未来の音楽がやってきた」と絶賛され、世界中に「テクノポップ」という概念を一気に浸透させました。

• 日本での大ブームと「テクノ御三家」（1980年代） 1980年代に入ると、YMOの成功に触発されたニュー・ウェイヴ系のバンドが続々と登場します。特に「テクノ御三家」と呼ばれたプラスチックス、ヒカシュー、P-MODEL（平沢進ら）は、それぞれ個性的なアプローチでインディーズ・シーンや若者文化を牽引しました。 さらにこのサウンドは歌謡界にも急速に波及。「テクノ歌謡」と呼ばれるジャンルが生まれ、アイドルや歌謡曲の楽曲にシンセサイザーの打ち込みやボコーダーが多用されるなど、お茶の間の定番サウンドとなりました。

• ニュー・シンセポップと多様化（1990年代〜2000年代） 1990年代以降、本場のテクノやハウス・ミュージックがダンスフロアを中心に進化する一方で、テクノポップのキャッチーな精神は「シンセポップ」などの形で脈々と受け継がれます。2000年代半ばには、プロデューサーの中田ヤスタカが手がけるPerfumeが登場。オートチューン加工を施したボーカルとエレクトロサウンドを完璧なダンスパフォーマンスと融合させ、テクノポップを再びメインストリームの頂点へと押し上げました。

• 現代への継承（2010年代以降〜現在） 現代では、VOCALOID（初音ミクなど）を用いたボカロ曲や、現代のDTM制作によるポップスにその遺伝子が色濃く受け継がれています。無機質な電子音と人間の親しみやすいメロディの融合というテクノポップの魅力は、今なお形を変えながら世界中のクリエイターやリスナーを魅了しています。

イージーリスニング

イージーリスニングというジャンルは、50年代からあったようです。和製英語のような印象を受けますが、実はイギリス発祥のジャンルです。個人的にはハードな曲が好きで、若い頃はイージーリスニングにはまったく興味がありませんでした。

もちろん、ポップな曲やフォークソングは嫌いではありませんでしたが、イージーリスニングは「毒にも薬にもならない音楽」だと決めつけて、興味が湧かなかったのです。

日本でイージーリスニングといえば、ポール・モーリア、レーモン・ルフェーブル、グレン・ミラーなどの、オーケストラをバックにした曲を思い浮かべる人が多いでしょう。

「真珠の首飾り」などは、誰でも一度は耳にしたことがあるはずです。

イージーリスニングを「毒にも薬にもならない」と表現しましたが、今にしてみると、この特徴こそが人をリラックスさせ、集中力を高めるのではないかと思っています。

ハードな曲をBGMにして勉強や読書をする姿を想像してみれば、私が言いたいことは伝わるでしょう。

※リラックスできる曲を集めた動画です。読書、勉強、作業のお供にどうぞ。

◆イージーリスニングとは

イージーリスニング（Easy Listening）は、過度な緊張感を与えず、リラックスして聴くことができるポピュラー音楽のジャンルです。1950年代から1970年代にかけて世界的な黄金期を迎え、独自の発展を遂げてきました。

• 誕生と発展（1950年代〜1960年代）

  1950年代のアメリカやヨーロッパにおいて、ラジオ放送の普及やステレオ録音技術の進歩を背景に確立されました。かつては「ムード音楽」とも呼ばれ、パーシー・フェイスやマントヴァーニといったオーケストラ指揮者たちが、クラシックやポピュラーソングを洗練されたインストゥルメンタル（器楽曲）へと編曲したことが始まりです。ストリングス（弦楽器）を前面に出した華やかで心地よいサウンドは、日常のBGMとして親しまれました。

• 黄金期と代表的エピソード（1960年代末〜1970年代）

  1960年代後半から1970年代にかけて、フランスを中心とした「グランド・オーケストラ」の時代が到来します。ポール・モーリアやレイモン・ルフェーヴル、フランク・プゥルセルらがシーンを牽引しました。

  この時代の象徴的なエピソードとして、ポール・モーリア楽団の「恋はみずいろ（Love Is Blue）」が挙げられます。1967年のユーロビジョン・ソング・コンテストに出場したボーカル曲を、彼が優雅なチェンバロの音色を取り入れたインスト曲へ大胆にアレンジして発売したところ、1968年に全米チャート（ビルボード）で5週連続1位を記録する快挙を達成しました。歌のないイージーリスニング曲が全米1位を獲得するのは非常に珍しく、世界的な大ブームを巻き起こすきっかけとなりました。

• スタイルの変化（1970年代末〜1980年代）

  1970年代末からはリチャード・クレイダーマンの「渚のアデリーヌ」に代表されるような、ピアノをフィーチャーした爽やかなソロ・スタイルの作品が人気を集めます。また、ディスコビートを取り入れたポップなアレンジが増えるなど、時代のトレンドを取り入れながら形を変えていきました。

• 現代への継承（1990年代以降〜現在）

  時代の変化とともに大編成のオーケストラによるブームは落ち着きましたが、イージーリスニングの精神は途絶えていません。1980年代後半以降の「ニューエイジ・ミュージック」や「ヒーリング・ミュージック」、さらにはカフェBGMや作業用BGM、Spotifyなどのストリーミングサービスにおけるリラックス系プレイリストへとその役割を引き継いでいます。

イージーリスニングは、単なる背景音楽にとどまらず、優れた編曲技術とメロディの美しさで、現在も人々の日常生活に寄り添い続けています。